第八届光州双年展在上周五开幕，以囊括全球艺术的雄心吸引了国际艺术界各路门派赶赴光州，一览此处的艺术盛况。“新博物馆（New Museum）”的当红青年策展人马西米利亚诺·吉奥尼（Massimiliano Gioni）担任本届双年展策展人，此人最近在“新博物馆”策划的一场展览将整座场馆中充满乌斯·费舍尔（Urs Fischer）的作品。本届双年展一反传统的双年展文化（汇集最当红、最新锐、最年轻），致力于呈现一份20至21世纪生命/生活的详尽的视觉图谱，有如穿越图像而生。展览将持续至11月7日。本届双年展的组成方式很是奇异：将从布鲁斯·瑙曼（Bruce Nauman）到王广义等当代艺术家的作品、《收租院》这类作品，以及画廊圈外的器物放在一起展示。展览旨在探讨是什么将人与图像、图像与人维系在一起。 ARTINFO对策展人马西米利亚诺·吉奥尼进行了专访。   能请你对这一主题略作解释吗？ 好的，某种程度上说，这一主题与艺术本身一样古老，如果你相信那个古希腊神话，说绘画的发明是为在爱人逝去前留下他的形象。早在远古，图像就被用以留存某些我们惧怕失去之物——对罗马人来说，“imago”一词指的是死者的面部模型，用以在肉体消失之前保存其面容。所以，一方面这是非常有雄心却又至为简明的主题，因为它与艺术自身及图像保存我们惧怕失去之物的功能紧密相连。另一方面，我们如今生活在一个图像泛滥、被图像污染的社会。是故本次展览试图理解我们如何处理泛滥的图像与它们原初强度之间的空间。这其实意味着什么？这意味着这个展览主要着眼于图像如何生成，如何分布，如何被再利用，如何被发现和生产。这组织起一个非常大的主题展览，展示了不同的个案，这些个案从人物摄影到宣传图像，到商业摄影和文物（如墓葬俑）。所以这个主题展览对一种百科全书式的理想或当代博物馆式的理想进行了探索，呈现我们与图像间关系的不同样例。 你选择的艺术家的时间跨度从20世纪末至当下，其中最早的作品创作于1901年，最晚的则完成于今年。你曾说你相信图像生成、共享和交换的方式使艺术家们已失去了传统的中心性。你是否觉得这种转变发生于整个世纪，因而用展览将其囊括？若如此，你能否举些艺术家的例子解释你的意图？ 是的，我认为艺术家们已失去了中心性。我的意思很简单。在中世纪，甚至到拿破仑时代（简要地说），艺术家们有必要为教堂、帝王或政权生产图像。艺术家为自己而创作，但他同样也是图像的唯一生产者。平均每个人一生能看到的图像数量非常有限，这些图像通常都由艺术家生产。当然艺术家很不同——你知道，在15世纪做个艺术家与今天做个艺术家不一样——但艺术家是图像的生产者。而今天，图像作为媒介，由广告商、电视，乃至消费者自身所生产。所以从某种程度上说，大批泛滥的图像其实是由不是艺术家的人们生产的。这一转变很有趣，这种转变促使艺术家们对自身重新定位，却也同样在某种程度上使他们更加边缘化，或更加被迫处于临界状态。因此这是一种大概发生在20世纪的转变，因为在20世纪，整个图像产业诞生了，从影视到娱乐，如此等等。你知道，在展览中有作为商业广告而生的艺术品的样例，也有艺术的样例，比如用作意识形态宣传的《收租院》。所以我认为展览中有很多样例，你遇到的图像或从艺术进入其他领域，或从其他领域进入艺术，我希望借此能够理解在称为“iconosphere”的图像界中如何重新确定艺术家的地位。